Mit ihrem vierten Album Autobahn gelang Kraftwerk aus Düsseldorf 1974 der erste internationale Coup. Das dominante, hypnotische Titelstück von über zwanzig Minuten Länge war ein radikaler Bruch mit ihrer bisherig voltgeladenen Maschinenmusik. Die Idee kam der vierköpfigen Band bei einer Autobahnfahrt in Ralf Hütters VW. Mit dem neuerworbenen Moog verfremdeten sie die mit Tonband aufgezeichneten Verkehrsgeräusche zu einer amüsanten Autofahrt samt Startgeräusch und Gehupe. Zudem setzte die Band erstmals erfolgreich Gesang ein, der über Vocoder gezogen wurde. Die naiven Kindreime erinnerten an die Beach Boys, das Gesamtergebnis an die Route 66. Auch die verfeinerten Klangbilder "Kometenmelodie", "Mitternacht" und "Morgenspaziergang" bestachen durch klar strukturierte Melodien. Kraftwerk war die Pioniertat gelungen, zeitgenössische Elektronik mit der Dynamik von Rockmusik zu verbinden und den Grundstein zum Genre Techno-Pop zu legen. Die konzeptionelle Grafik von Emil Schult machte das Album zu einem Gesamtkunstwerk. Auf die innovativen Klänge fuhr man weltweit ab. [+]

Das Thema Roboter, Spacelab und Metropolis war 1978 ein musikalisches Statement von Kraftwerk zum Industriezeitalter und der inhumanen Gesellschaft. Konsequenterweise trugen sie eine rot-schwarze Uniform, die auf totalitäre Gesellschaftsformen anspielte, in denen Arbeiter wie eine "Mensch-Maschine" zu funktionieren haben. Diese Ironisierung löste abermals ein Mißverständnis in den Medien aus. Zumal sich die Band in Live-Präsentationen teilweise durch identische Musiker-Puppen selbst ersetzte. Der Futurismus der zwanziger Jahre floß ebenso in ihre Musik ein wie der Filmklassiker "Metropolis" von Regisseur Fritz Lang. Mit maschineller Akribie trieben Kraftwerk ihre Idee "Mensch ist gleich Maschine" bis zum Letzten und die technische Präzision auf die Spitze. Das elektronische Schlagzeug war wesentlich verhaltener, die Melodien noch mehr vereinfacht. Damit nahm das Düsseldorfer Quintett endgültig Abschied von spezifisch deutschen Themen und hatte ein komplexes, zeitloses Album eingespielt, das seiner Zeit weit voraus war. In Deutschland erreichte es Platz 12 der LP-Charts, die "Roboter"-Single kletterte auf 5. 1982 eroberte die Single "Das Modell" Platz Eins der britischen Charts und danach die deutsche Top 40. [+]

LEBEN LTD. PUR EDT.

Auf den Spuren zeitgenössischer Melodiker - die lyrische Trioeinspielung Changing Places des Pianisten Tord Gustavsen erinnert unmittelbar an die stillen Momente von Gonzalo Rubalcaba. Geschmeidig streichelt der Norweger ein Meer aus Ton, wo Hinterherlauschen eine Rolle spielt, weil nie ein Klang vom nächsten überholt wird, sondern wo alles wichtig ist und wo eine Phrase aus der anderen erwächst. Mit viel Pedal bringt Gustavsen den herrlichen Flügel zum Schwingen, haucht dem Instrument sein warmes Ich zu Füßen. Auch Keith Jarrett könnte sich hier wiederfinden, in dieser intimen, hochkonzentrierten Stimmung, wo Melodie gemacht wird, wo das Timing ins Schweben gerät. Changing Places ist eine klassische Triobesetzung mit Klavier, Bass und Schlagzeug: ein Wagnis bei einem Heer von nur allzu prominenter Konkurrenz. Dennoch gelingt es Tord Gustavsen, sich durch Stil und Charakter zu behaupten. Seinem Anschlag fehlt es ein wenig an Kontur - was bei Petrucciani die konsequente Härte ist, das ist bei Gustavsen das Weiche, Verklärte. So hat ein jeder seine Eigenheiten, und dann mag's ja auch ein Stück weit am Flügel gelegen haben. Wunderbar sind die solistischen Beiträge von Bassist Harald Johnsen und die filigrane Begleitung des Schlagzeugers Jarle Vespestad. Alles in allem ein wirklich schönes neues Jazzalbum, das von ECM-Chef Manfred Eicher wie immer erstklassig produziert wurde. [+]

ERA 1

My Life In The Bush Of Ghosts kam 1981 heraus und ist ein gemeinsames Produkt von Ambient-Pionier Brain Eno und dem Frontmann der Talking Heads, David Byrne. Auf diesem Album gelingt es den beiden willensstarken Musikern, eine gemeinsame geistige Linie zu finden. Byrnes abgefahrener Funk mischt sich mit Enos atmospherischer Soundperformance. Ein wirklich großes Album, das dem Hörer ganz und gar im Gedächtnis bleiben will. Der ausgeprägte Percussionanteil,(von dröhnenden Stammestrommeln bis zu unheimlichem Elektronikklängen ist alles vorhanden), hallt aus dem Hintergrund. Byrne und Eno geben dabei die verschiedensten Sounds, darunter Außenaufnahmen und Radiosendungen, in die Mixtur. Das Ergebnis ist ein wegweisendes Album, das nachkommenden Musikern die weitreichenden Möglichkeiten elektronischer Aufnahmetechnik präsentiert. Zu den Höhepunkten der CD gehört "The Jezebel Spirit", ein Mixversuch aus elektronischer Musik und Funk, in dessen Mittelpunkt die Tonbandaufnahme eines Exorzismus steht. Weiterhin wäre "Very, Very Hungry" zu nennen, eine zauberhaft sphärische Darbietung eines großangelegten Klangkunstwerks und elektronischer Percussion. -S. [+]

LEBEN GER Man wäre sicher ein böser Mensch, würde man Schiller unterstellen, seit Jahren musikalisch auf der Stelle zu treten. Doch nach der Trennung von seinem musikalischen Partner liefert Produzent und Komponist Christopher von Deylen mit Leben lediglich einen Aufguss der letzten (gelungenen) Schiller-Werke ab. Das Intro ist hinreichend bekannt, "Sommerregen" strahlt eine gewisse chillige Ruhe aus und "I've Seen It All" glänzt mit Mediumbeat und schöner Stimme von Maya Saban. "Zukunft" plätschert eher vor sich hin, beruhigend wie Aufzugmusik, könnte allerdings auch auf einem älteren Enigma-Album zu finden sein. Verzeiht man Schiller das nicht besonders intelligente Intro zur Single "Liebe", geht der Track stimmlich in Richtung Cassandra Steen von Glashaus und bietet den typischen Schiller-Rhythmus. Auch "I Miss You" trumpft durch die Vocals auf, wirkt sonst aber eher belanglos. "Leben. I Feel You" wird Schiller-Fans gefallen. [+]

FEAR OF A BLACK PLANET Kopfhörer aufsetzen, zurücklehnen und Herz, Seele und Hirn von warmen Soundwellen durchspülen lassen - Steven Wilson schenkt der Welt ein neues Meisterwerk, das vom Progrock-Puristen bis zum Ambient-Metaller jeden Fan anspruchsvoller Gitarrenmusik begeistern wird. Man kann sich darüber streiten, ob Fear Of A Blank Planet die melodische Genialität von Stupid Dream und Lightbulb Sun erreicht oder es in produktionstechnischer Hinsicht mit In Absentia aufnehmen kann. Fakt ist auf jeden Fall, dass das Album seinen Vorgänger Deadwing in puncto Songwriting locker aussticht und den Hörer - wie eigentlich immer bei Porcupine Tree - mit zahlreichen neuen Facetten überrascht. Da werden brachiale Modern-Metal-Breakdown-Riffs ausgepackt, organische Computer-Loops eingeflochten und fantastische, zum Heulen schöne Keyboard-Teppiche verlegt. Mastermind Wilson tritt nicht auf der Stelle, er entwickelt den Stil seiner Band mit jeder CD weiter und schafft es dabei mit traumwandlerischer Sicherheit, neue Zielgruppen anzusprechen, ohne die alten zu vergrätzen. Alleine die Gesangslinien der sechs neuen, bis zu 18 Minuten langen Songs reichen schon aus, um die komplette Konkurrenz in ihre Schranken zu weisen. Besseren Progrock spielt zurzeit niemand! - Michael Rensen.

Tord Gustavsen spielt wunderbar; seine Musik schmiegt sich an, strahlt mit kraftvoller Offenheit und künstlerischer Brillanz. Der Pianist aus Norwegen liegt ganz klar im Trend, zaubert mit ähnlich romantischen Mitteln wie Brad Mehldau oder Esbjörn Svensson, nur konsequenter, in der Weichheit. Sein zweites Album,The Groundist ebenso lyrisch und verhalten wie das erste, besticht durch organisches Ineinandergreifen von Komposition und Improvisation, durch erstklassiges Zusammenspiel. Das Trio mit Harald Johnsen (Kontrabass) und Jarle Vespestad (Schlagzeug) schwingt mit einer Stimme, mit denselben Gefühlen, so scheint es. Ausnotiertes und eben Erdachtes gleiten untrennbar ineinander, jedes Stück ist ein ganzheitlicher, vollendeter Mikrokosmos. Tord Gustavsen ist vor allem ein Melodiker. Er verbindet schlichte, liedhafte Tonfolgen und Fragmente mit moderner Phrasierung und raffiniertem Überbau. Er spielt zeitgenössischen Jazz, der einfach klingt und doch soviel Schweiß kostet, denn: jede Note die Gustavsen spielt, offenbart eine Eleganz, die aus der Tiefe kommt; jeder Ton bedeutet etwas. Nichts verpufft in einer hochkonzentrierten Meditation, wo Gustavsen manchmal minutenlang an einem kleinen Motiv arbeitet, an einer Idee, einem Klang, den er bis zum letzten auskostet. Seine Musik hat in ihrer Eindringlichkeit etwas hymnisches, endgültiges. [+]

Da ist sie wieder: Vier Jahre nach ihrer letzten CD Eight seasons erscheint Mari Boines nächstes Album in ihrer „neuen“ Besetzung, auf dem sie den eingeschlagenen Weg aus archaischen Elementen, schlichtem Gesang in Kombination mit Elektronik weiter verfolgt. In the hand of the night heißt das Werk, dessen Veröffentlichung in Deutschland aufgrund der Fußball-Weltmeisterschaft ein wenig nach hinten verschoben wurde. Und das zu Recht, denn diese Musik braucht Raum, Zeit und Aufmerksamkeit: Auch die bewegteren, lebhafteren Stücke tragen diese Ruhe des Boine-typischen Musikkosmos in sich: Tiefe, pulsierende Trommeln, filigrane Saitenklänge und leise Elektronik, gepaart mit der ausdrucksvollen, unverwechselbaren Stimme der samischen Sängerin. Mari Boine singt, wispert und raunt in samischer Sprache, in einer selbst kreierten Fantasiesprache oder, bei einem Titel, in englisch; die Texte stammen diesmal großenteils von zwei samischen Autorinnen und basieren auf Geschichten aus der samischen Mythologie. Besonders eindrucksvoll sind - wie schon beim Vorgängeralbum - die langsamen, fast stehenden Balladen, wie „Where did all our colours go“ oder „My friend of angel tribe“, bei denen Boine nur zur Gitarre singt und sich die elektronischen Sounds wirklich ganz leicht im Hintergrund halten. Zahlenmäßig hat Boine mit insgesamt 15 Musikerinnen und Musikern ein sehr großes Aufgebot vereint; neben Bekannten vom letzten Album (z. B. Bassist und Produzent Svein Schultz) sind auch bekannte Gäste, wie der norwegische Gitarrist Terje Rypdal, vertreten. Das Instrumentarium auf In the hand of the night stammt aus aller Welt: von der griechischen Bouzouki über das afrikanische Daumenklavier Mbira bis zum brasilianischen Berimbau - und trotzdem wirkt alles wie aus einem Guss. Einzig die elektronischen Zutaten könnten hier und da etwas heruntergeschraubt werden, um die Stücke nicht zu überladen. [+]

Ein kryptischer und dennoch viel sagender Titel, dieses ( ) - für all jene zumindest, die Sigur Rós' letztes Album kennen. Und das sind nicht so wenige; immerhin erreichten die Umsatzzahlen von Ágætis Byrjun Platin-Status - und das ist weit mehr, als man bei einer so eigenwilligen, scheinbar völlig aus der Zeit gefallenen Musik annehmen sollte. Sigur-Rós-Musik ist episch, langsam, getragen, weit - beinah ein Postkartenklischee für die Ohren von ihrer isländischen Heimat, dafür aber doch zu unkitschig. Koordinaten, die - mit einigen Abweichungen bei gleich hohem Fesselungsgrad - grundsätzlich auch auf ( ) zutreffen. Zum einen singt Gitarrist Jon Thor Birgisson, der sein Instrument gern mit dem Geigenbogen spielt, diesmal keine Texte - was allerdings kaum einen Unterschied machen wird für alle, die auch die isländischen Texte auf den Vorgängern nicht verstanden und sein hohes, beinah feminines Klagen vor allem Klangfarbe wahrnahmen. Zum anderen scheint ( ), aufgenommen in einer ehemaligen, zum Tonstudio umgebauten und freistehenden Schwimmhalle in Island, durchaus etwas mehr Licht zu besitzen und wirkt weniger orchestral als das schwere, streichersatte Ágætis Byrjun. Der genussvollen, menschlichen Melancholie tut das keinen Abbruch: Sie findet eben bei Tagesbeleuchtung statt. Kaum vorstellbar, dass solche Musik von anderen kopiert werden könnte. Wobei - es gibt ja nichts, das es nicht doch gibt. Sonst gäbe es wohl auch Sigur Rós nicht. [+]

CAFE DEL MAR VOL. 14.