Als wollten sie zum Wettstreit antreten, veröffentlichen der Meister und seine gelehrigen Schüler zeitgleich neue Alben. Howe Gelb - Motor, Getriebe und Elektronik von Giant Sand - beweist mit Provisions, dass ihn nach über 25 Jahren Aktivität kein Wüstensand zum Stottern bringen konnte. John Convertino und Joey Burns decken mit Carried To Dust erneut das Dilemma der Band auf, die sie so lange begleiteten: Während ihr Projekt Calexico mit zugänglicheren Songs die größeren Hallen füllt und sich auch in Charts platzieren kann, bleiben Giant Sand wohl auf ewig im Indie-Lager verankert. Ein Qualitätsmerkmal ist das natürlich nicht, Calexico wie auch Howe Gelb zeigen sich von den besten, wenn auch ganz anderen Seiten. Gelb, der ein Teil des Jahres im dänischen Aarhus lebt, hat sich von den musikalischen Wurzeln seiner Heimat Arizona ungleich stärker entfernt als Calexico es wohl je tun werden. Aufgenommen wurde Provisions, auf dem Cover übrigens „proVISIONS“ geschrieben, an unterschiedlichen Orten: Aarhus, Tucson, Toronto. Wenn überhaupt ein roter Faden durch die Songs ziehen sollte, dann ist er auf den Reisen verloren gegangen, ohne dass es dem Album schadet. Im Gegenteil, die vielen Gäste wie Isobel Campbell (ex-Belle & Sebastian), M. Ward, Neko Case und erneut Under-Byen-Sängerin Henriette Sennenvaldt sorgen für stilistische Vielfalt. Die reicht von einer Nummer wie „Can Do“ in bester Johnny-Cash-Tradition, sanften Country in „Out There“, Jazz in „Muck Machine“, schräge Psychedelia in „Belly Full Of Fire“ oder schon fast avantgardistischen Tracks wie „Saturated Beyond Repair” oder “World's End State Park”. [+]

AMERICAN RECORDINGS 1994 verblüffte Johnny Cash die Musikwelt mit dieser eindrucksvollen Sammlung aus 13 akustischen Soloaufnahmen, die von Gospel über Cowboy bis hin zu sarkastischem Folk reichen. Minimalismus brachte bei Cash schon lange die Butter aufs Brot, aber diesmal hat sich Produzent Rick Rubin wirklich alles Überflüssigen entledigt. Der größte Teil des Albums wurde in Cashs Blockhütte oder in Rubins eigenem Wohnzimmer aufgenommen (zwei Tracks wurden live im Viper Room vor einem emphatischen Publikum mitgeschnitten). Cash präsentiert fünf typisch unverblümte Originale; er wartet aber auch mit Songs von Kris Kristofferson, Nick Lowe, Leonard Cohen, Tom Waits und Loudon Wainwright auf. Vierzig Jahre nach "Hey Porter" liefert Cash eine reine, aufs Wesentliche reduzierte und unglaublich bewegende Platte, die - man traut sich's kaum zu sagen - es jederzeit mit der Wirkung seiner größten Leistungen aufnehmen kann. -Marc Greilsamer.

SKY BLUE SKY Na gut , es ist schon ein bisschen gemein zu sagen, dass unzählige Musiker ihre besten Songs dann schrieben, wenn sie sich im Vollrausch befanden, von Panikattacken und Depressionen geplagt oder drogensüchtigen, pillenschluckenden Geistern getrieben wurden. Jeff Tweedy, der Kopf der 1994 aus Uncle Tupelo hervorgegangenen Wilco, hat seine Dämonen weggesperrt, sie in einer Suchtklinik ausgetrocknet und all das ist dem wunderbar entspannten, lässigen und unspektakulären Album Sky Blue Sky jederzeit anzuhören. Selten klang die Gruppe aus Chicago so wenig sprunghaft, so fixiert auf Country, Folk, Alternative und Americana. „Mein Job ist es eben, spannende Musik zu machen und nicht, zu erraten, was einen Durchschnittsradiohörer am wenigsten beim Bügeln stört. " hat Tweedy mal bei einem Interview geknurrt. Sky Blue Sky mit seinem positiven Albumtitel nun kommt mit wenigen Eruptionen aus, die Widerhaken und Störfaktoren fehlen genau wie auch irrwitzige Soundexkursionen und Lärmorgien. Dafür dominieren klare Strukturen und Songs mit Westcoast-Querverweisen wie Southern-Rock-Elementen (Grateful Dead, Allman Brothers). Die Arbeit des fälschlicherweise als Klangquertreiber einsortierten Jim O'Rourke beschränkt sich diesmal auf sonnige Streicherarrangements. Und doch sind die Stücke trotz einer neuen Leichtigkeit zu fein, um sie im Vorbeigehen wahrzunehmen, denn dafür ist Jeff Tweedy auch nach einer offensichtlich überwundenen Krise ein zu ernsthafter Textschreiber. -Sven Niechziol.

AMERICAN V-A HUNDRED HIGHWAYS An den Fragen nach der Legitimität dieses letzten Albums der American Recordings-Reihe kommt man wohl nicht vorbei, doch sind sie letzten Endes peripher. Die Gesangsspuren wurden in den letzten Monaten vor Johnny Cashs Tod im September 2003 aufgenommen, die Arrangements dagegen entstanden erst zwei Jahre später. Zwar hatte der Mann in Schwarz im Produzenten Rick Rubin einen Freund, dem er vertraute, doch konnte er das später Eingespielte eben nicht mehr autorisieren, geschweige denn die Aufnahmen leiten. Die schiere Kraft dieses Albums dürfte aber alle Skeptiker verstummen lassen. Mike Campbell und Benmont Tench von den Heartbreakers, der Studio-Slideguitarspieler Smokey Hormel (alle drei waren bereits auf früheren Alben von Cash zu hören) sowie die Gitarristen Matt Sweeney und Johnny Polansky erzeugen einen Akustiksound, der zwar würdevoll, aber nur an wenigen Stellen verhalten daherkommt, wenngleich die Dynamik früherer Aufnahmen fehlt. Die Songs strahlen einen tiefen, elegischen Ernst aus; die Musiker spielen überlegt, weder zu wenig noch zu viel. Die Texte sind erwartungsgemäß sehr persönlich und nachdenklich: Das Bewusstsein seiner Sterblichkeit, begangene Fehler, sein Schöpfer, die Rettung durch den Glauben, der Verlust seiner Frau June, das Ende seiner Karriere - all das mag Cash stark beschäftigt haben, doch in diesen Songs verkörpert er seine persönliche Lebensgeschichte nicht nur, er wächst auch über sie hinaus. Während die Musiker in "God's Gonna Cut You Down" den Takt klatschen und stampfen, durchschneidet Cashs Stimme die Luft wie die Hand des rächenden Gottes, von dem das Lied handelt. In dem neuen Stück "Like the 309", dem letzten, das Cash geschrieben hat, gibt er zu, dass er bereits unter Kurzatmigkeit leidet, und seine Stimme wird zu einer Metapher für das, was uns allen eines Tages bevorsteht. In Gordon Lightfoots "If You Read My Mind" läuft Rubin Gefahr, Cashs bittersüße, schwermütige Phrasierung in einem geschmackvollen Klangteppich zu ersticken, aber die Stimme ist doch unbezähmbar. [+]

Treue Fans reagieren bisweilen irritiert, wenn ihre Lieblingsbands Veränderungen am Gesamtsound vornehmen. Die gute Nachricht gleich vorweg: Calexico kehren auf dem jederzeit überzeugenden Album Carried To Dust in die markanten und staubigen Wüstenrock-Fußspuren der Vergangenheit zurück. Also dorthin, von wo der kontrovers aufgenommene Vorgänger Garden Ruin die Flucht zu eher konventionell arrangierten, dem Pop zugewandeten Songs antrat. Der auf reine Instrumentals verzichtete, rockte wie nie zuvor und große Momente hat. Carried To Dust scheint daran anschließen zu wollen, denn gleich das von federnden Rhythmen dominierte Eröffnungsstück „Victor Jara's Hands“ tänzelt trotz der inhaltlichen Schwere mit der Thematisierung des 1973 von den Militärs ermordeten chilenischen Folksängers und kommunistischen Aktivisten. Danach aber machen sich Calexico, einmal mehr angetrieben von den beiden Songwritern und Produzenten John Convertino & Joey Burns, auf zu den vertrauten Mariachis, den verschleppenden Beats, exzentrischen Klängen, den eigenwilligen Streifzügen durch Alternative-Rock, Dub, Jazz, Latin, Folk und Country. Einmal mehr lassen sich Calexico von namhaften Gästen wie Doug McCombs (Tortoise) oder auch Sam Beam von begleiten. Mit dem Kopf von Iron & Wine setzen Calexico als engagierte Hausband ja schon auf dem Soundtrack zur Bob-Dylan-Hommage I'm Not There Glanzpunkte. Nicht alles scheint leuchtend hell auf diesem Album, denn Calexico kommen nicht umher, aus sich selber zu schöpfen und alte Zitate aufzugreifen, die Erinnerungen an frühe Lieder wecken. Aber wie keine andere Band verstehen sich die Männer aus Arizona auf solch geisterhafte Sounds wie in „Man Made Like“ oder dem entrückten „Contention City“, dem würdigen Finale. [+]

WALK THE LINE Johnny Cash ist einer der berühmtesten Künstler Amerikas, der mit seinem ungewöhnlichen Sound die Karrieren von Rock-, Country-, Punk-, Folk- und auch Rapstars beeinflusste. Rau und tiefschwarz war seine Stimme, voller Emotionen waren seine Songs, und seine Lieder handelten von Kummer und Not, von Liebe und Leidenschaft, vom Überlebenskampf und vom Siegen. Als junger Mann war er wild, unberechenbar, Drogen abhängig und ständig mit sich selbst im Kampf. Dann lernte er, kurz vor dem endgültigen Absturz, June Carter kennen, und die Liebe zu dieser Frau und von dieser Frau machten ihn zu der Ikone, die er schließlich war, zum "Man In Black". Der Kinofilm "Walk The Line" zeigt die Kindheit von Johnny Cash, seine ersten musikalischen Gehversuche, seine Zeit in Deutschland, seine ersten großen Erfolge und seine Aufsehen erregende Liebe zu June Carter. Exzellent und völlig überzeugend dargestellt werden Johnny Cash von Joaquin Phoenix und June Carter von Reese Witherspoon. Klar, dass in einem biographischen Film über die Country-Legende Johnny Cash auch viel gesungen wird. Und das ist die ganz große Überraschung, denn die Cash-Songs, die ja praktisch jeder kennt, werden nicht im Original eingespielt, sondern von Phoenix und Witherspoon selbst gesungen. Und zwar derartig echt, dass ich während des Films teilweise nicht zwischen Original und Phoenix-Song unterscheiden konnte! Und so ist auch die CD Walk The Line eine mehr als nur hörenswerte Scheibe geworden. Im täuschend ähnlichen Sound mit täuschend ähnlicher Stimme und täuschend ähnlichem Feeling singen Joaquin Phoenix die Cash-Hits und Reese Witherspoon die June Carter-Songs, und natürlich auch etliche der Duette, die die beiden sangen. [+]

SOUNDTRACK Das ist ein gewaltiges wie gewagtes Projekt, das Regisseur Todd Haynes mit seinem Film wie dem dazugehörigen Soundtrack I'm Not There gestemmt hat. Wie er schon in seinem Streifen Velvet Goldmine gar nicht erst riskiert, das Leben von David Bowie minutiös nach zu zeichnen, so wenig begibt er sich auf eine zum Scheitern verurteilte Mission, die nicht minder wendungsreiche Biographie von Bob Dylan zu verfilmen. I'm Not There ist kein Biopic wie Streifen über Johnny Cash oder Ray Charles, nicht mal klassisches Erzählkino, denn Haynes verteilt die Persönlichkeit Dylan auf sechs Schauspieler, die zeitliche Abschnitte repräsentieren. Da ist die Musik schon konkreter und doch weit entfernt von einem normalen Soundtrack, Tribute-Album oder einer Ansammlung von Coverversionen. Nur der Titelsong stammt von Dylan selber und war nur auf Bootlegs der Reihe Basement Tapes zu finden. Die restlichen 33 auf zwei CDs verteilten Lieder, von denen nicht alle im Film zu hören sind, wurden von einer exquisiten Künstlerschar neu interpretiert. Ein interessantes wie gelungenes Experiment ist die Installation von zwei Hausbands, die sich an einem Großteil der Songs beteiligen: die Wüstenrocker Calexico und The Millionen Dollar Bashers, die unter anderem aus den beiden Sonic-Youth-Mitgliedern Lee Ranaldo und Steve Shelley, Tom Verlaine (Television), Dylans langjährigem Bassisten Tony Garnier und Nels Cline von Wilco bestehen. Sie begleiten eine Vielzahl ausgezeichneter Sänger wie Eddie Edder, Stephen Malkmus (ex-Pavement), Willie Nelson oder Charlotte Gainsbourg. Kein einziger Song, nicht einmal Antony & The Johnsons Sternstunde „Knockin' On Heaven's Door“ oder das packende „Dark Eyes“ der Co-Op Iron & Wine mit Calexico entfernt sich außer Sicht- bzw. Hörweite vom Original, und doch herrscht ein stilistisch große Eigenwilligkeit und Abwechslung zwischen Alternative, Country, Rock und Folk. [+]

AHA SHAKE HEARTBREAK So genial verschroben das Debüt der Kings Of Leon auch gewesen sein mag, es hatte seine Makel. Die teilweise Unerfahrenheit an den Instrumenten und im Umgang mit dem Studio waren sicher Teil des Charmes, aber bei Aha Shake Heartbreak sind diese Punkte überwunden und das Potential der Band kann sich deutlicher entfalten. Und der Charme bleibt! Eines kann man mit dem Zweitling der Followill-Brüder und ihres Cousins sicher nicht machen, nämlich sie schon wieder in einen Topf mit den Strokes zu werfen. Sicher werden die Fans der jeweiligen Band sich die Andere mit Freuden zu Gemüte führen können, aber die Kings Of Leon haben in ihrem Stammbuch eher die Rolling Stones oder die frühen Black Crowes stehen als Velvet Underground. Gerade der Gesang von Caleb Followill steht einem Chris Robinson zu Debüt-Zeiten ungemein nahe, und die Gitarren haben sich eine große Portion Keith Richards abgeholt, etwa bei "King Of The Rodeo" oder bei "Taper Jeans Girl". Bei "The Bucket" lassen aber auch The Who und die Kinks ganz herzlich grüßen, während Einflüsse der "klassischen" Southern Rock Bands wie Lynyrd Skynyrd oder Allman Brothers Band gänzlich fehlen. Lediglich die Blues-Grundlage teilen sich die Followills noch mit den Urvätern des Genres, ellenlange Gitarrensoli oder pompöse Südstaatenpatrioten-Texte sind jedoch weit und breit nicht zu entdecken. Da diesmal mit einigem Aufwand produziert wurde, sind die kratzigen Kanten der Band vielleicht etwas geglättet, aber die Songs und die Sounds sind nach wie vor ursprünglich, ehrlich und kraftvoll. Wenn die so weiter machen, sind sie tatsächlich bald die Könige der Löwengrube, die man Rock'n Roll nennt. -Deborah Denzer.

WEST Obwohl sich die Arrangements von dem charakteristischen Mix aus Blues, Country und Folk entfernen, ist West wahrscheinlich Lucinda Williams' bestes Album. Jedenfalls ist es musikalisch mit Abstand ihr mutigstes und auch textlich oft außergewöhnlich stark. Selbst ihr Gesang klingt besser denn je, von dem Verletzlichkeit ausstrahlenden „Where Is My Love?“ bis zu „Unsuffer Me“, das wie ein reinigendes Gewitter wirkt. Der New Yorker Produzent Hal Willner, der schon mit Künstlern wie Marianne Faithful und Lou Reed arbeitete, hat progressive Musiker engagiert, die in verschiedensten Stilen zu Hause sind: Mit Bill Frisell an der Gitarre, Bob Burger an den Tasten, Jenny Scheinman an der Geige und Gary Louris von den Jayhawks als Backgroundsänger lässt Willner ein vielschichtiges Klanggewebe entstehen. In einem großen Teil der Songs verarbeitet Lucinda Williams den Tod ihrer geliebten Mutter („Mama You Sweet“, „Fancy Funeral“) oder (in dem aggressiven, vernichtenden „Come On“ und dem mantrahaften „Wrap My Head Around That“) das hässliche Ende einer Beziehung. „Are You Alright?“, „Learning How to Live“ und „Everything Has Changed“ schließlich könnten die Nachwehen beider Ereignisse widerspiegeln. Weitere Höhepunkte sind „Rescue“, das durch distanziertes Understatement und pulsierende Ambient-Sounds an Beth Orton erinnert, und der träumerisch-melancholische Titeltrack. Lucinda Williams ist mit ihrer Musik ja schon immer Wagnisse eingegangen, aber noch sie so große wie mit West. -Don McLeese.

STALLION BATTALION

RAISING SAND Gegensätze ziehen sich bekanntlich an, aber Robert Plant und Alison Krauss - diese Verbindung erscheint auf den ersten Blick dann doch recht abwegig. Schließlich hat sich Led-Zeppelin-Frontmann Plant als lautstarker Shouter im Hardrock-Genre einen Namen gemacht, wohingegen Krauss als Mitglied von Union Station und solo mit zart gewisperten Bluegrass-Gesängen reüssierte. Und ausgerechnet diese so unterschiedlichen Künstler haben sich jetzt für ein gemeinsames Album im Studio getroffen. Da fragt man sich unweigerlich: Passen der 59-jährige Engländer und die 36-jährige Amerikanerin überhaupt zusammen? Die Antwort: hervorragend sogar! Raising Sand funktioniert wohl deshalb so erstaunlich gut, weil sich Plant und Krauss sozusagen auf halbem Wege entgegenkommen, so wie man es in harmonischen Beziehungen halt macht. Der britische Rock-Veteran nimmt sich zurück, zeigt seine lammfromme Seite und singt über weite Strecken überraschend sanft, die 20-fache Grammy-Gewinnerin andererseits geht aus sich heraus und verblüfft mehrmals mit ziemlich energischen Tönen. So ergänzt sich das ungleiche Paar hier in Titeln von Sam Phillips, Tom Waits, den Everly Brothers, Gene Clark, Mel Tillis und Townes Van Zandt ein ums andere Mal perfekt. Ihr Rendezvous im Aufnahmeraum ist zum Niederknien schön! Produzent T-Bone Burnett, den man unter anderem vom Soundtrack zu O Brother, Where Art Thou? und Kooperationen mit Elvis Costello, Gillian Welch und k. d. lang kennt, hat das gemischte Doppel mit einem bezaubernden Americana-Sound moderner Prägung ausgestattet. Stücke der Gattungen Folk, Hillbilly, Country und Blues verbindet der Klangmeister zur gleichermaßen traditionellen wie zeitgemäßen Rootsmusik. [+]

Wohin soll das noch führen? Prince legt einem Album zehntausendfach Konzert-Tickets bei, AC / DC verhökern eine Platte irgendwo zwischen Kartoffeln und Zahnbürsten exklusiv bei Wal-Mart, Paul McCartney geht zu Starbucks und andere Bands verschenken ganze Werke online. Lambchop gehen einen anderen Weg, ihren feinen Streich OH (ohio) bekommt der Fan beim Kauf eines Musikmagazins als Draufgabe. Wie soll man das alles noch verstehen, und warum also soll man die CD nun doch für einen höheren Betrag kaufen? Dem Vinyl-Verfechter stellt sich die Frage nicht, und Anhänger der Band um Kurt Wagner werden für ihre Treue mit einer ungleich attraktiveren Digipak-Aufmachung plus einer Bonus-CD belohnt. Warum das alles? Kurt Wagner steht kurz vor seinem 50sten Geburtstag, und die Karriere seiner so wundervollen Alternative-Country-Band Lambchop hat eine Delle bekommen. Wer ein Dutzend Alben veröffentlich hat, dem wird immer weniger Aufmerksamkeit geschenkt, die Presse jagt lieber eine schlecht genährte, aber neue Saue durch Dorf als einem guten Album einer etablierten Band Raum zu schenken. Ein Schicksal, dass auch Wagner traf, was bei parallel zurückgehenden CD-Verkäufen und schlechter besuchten Konzerten zu einer Situation führt, die das Leben als Vollzeitkünstler immer schwieriger macht. Um neue Fans zu erreichen, kam es zu dieser Aktion, deren Geschichte die Konzentration auf die Musik von OH (ohio) allerdings zu überlagern droht. Was dem Album überhaupt nicht gerecht käme, denn Lambchop aus Nashville kehren zurück zum klassischen Songwriting und brillieren mit sehr filigran arrangierten und ausbalancierten, von warmem Soul durchströmten, countryfizierten Liedern. Ihnen ist überhaupt nicht anzumerken, dass Wagner die vielköpfige Band im Laufe der Jahre austauschte und mit Roger Moutenout (Yo La Tengo, Sven Regener) neben dem unverzichtbaren Mark Nevers erstmals einen zweiten Produzenten dazu zog. Wagner selber nahm sich zurück, er übergab die Stücke, ließ die beiden mal machen und wartete ab, was da Unterschiedliches bei herauskommen mag. [+]